Più domande che risposte: la collezione di René Campos e Sophia Bourgeois

IL TUO CONTRIBUTO È STATO FONDAMENTALE PER LO SVILUPPO DELLA COLLEZIONE. QUALI CRITERI HANNO GUIDATO LE TUE SCELTE E COME IMMAGINI L’EVOLUZIONE IN FUTURO?

I miei criteri sono la storia, l’originalità, l’autenticità e la rilevanza. Cerco opere che rimangano impresse, che aprano un dialogo con altre discipline, con connessioni e nuovi riferimenti. I grandi artisti spesso anticipano domande per le quali la società non ha ancora trovato le parole. Per questo la collezione mette in dialogo figure storicamente affermate con un gruppo ristretto di artisti più giovani, che stanno costruendo percorsi solidi e significativi. La sfida è sempre la qualità, non la quantità. Cerco la migliore opera all’interno del percorso di un artista, non semplicemente il nome giusto. Ora che Ostillo è diventata una Fondazione aperta al pubblico, ci chiediamo anche che cosa queste opere possano significare in un luogo specifico, in particolare ad Austin. Una collezione privata può essere estremamente personale; una fondazione deve anche interrogarsi su dove si colloca, a chi si rivolge e quale contributo può offrire. L’obiettivo non è rispecchiare il mondo dell’arte di oggi, ma contribuire alle conversazioni di domani.

QUALI ARTISTI EMERGENTI DOVREMMO TENERE D’OCCHIO E QUALI ARTISTI, A TUO AVVISO, MERITANO DI ESSERE RISCOPERTI?

La ricerca è al centro del mio lavoro, ma è anche la parte più discreta. I clienti si affidano alla mia esperienza, alle relazioni che ho costruito negli anni e alla possibilità di accedere a contesti e informazioni: una parte del valore del mio lavoro consiste proprio in questo. Trovo interessanti Mohammed Sami, Salman Toor e Ana Segovia: ciascuno di loro sta costruendo un universo personale e riconoscibile. Credo, poi, che la riscoperta sia fondamentale. Ho avuto la fortuna di riconoscere presto l’importanza di artisti come Carmen Herrera e Stanley Whitney, quando non ricevevano l’attenzione che meritavano. Nel tempo, gallerie, musei, curatori e collezionisti hanno contribuito a colmare le lacune. La progressiva rivalutazione delle artiste donne, degli artisti afroamericani, latinoamericani e queer è uno dei cambiamenti importanti degli ultimi anni: riflette il tentativo più ampio di comprendere che cosa è incluso nelle nostre storie, che cosa è stato lasciato fuori e perché. Per me, questa rimane una delle dimensioni più stimolanti del collezionare.

Ostillo Art Foundation

OSTILLO È NATA DALL’INCONTRO TRA UNA COLLEZIONE PRIVATA E LA STORIA CULTURALE DI AUSTIN. QUALE VISIONE HA GUIDATO LA CREAZIONE DELLA FONDAZIONE?

Volevamo creare un’istituzione discreta, incentrata sull’arte e sui visitatori, più che sui suoi fondatori. Dopo anni trascorsi a visitare musei e Fondazioni, continuavo a chiedermi: che cosa ricordiamo davvero? Quasi sempre, ciò che rimane è l’incontro con un’opera. Il nome Ostillo deriva da Ostilio Ricci, matematico del Rinascimento legato al giovane Galileo, una figura che ha esercitato una profonda influenza senza cercare visibilità. È proprio questa sua caratteristica che ci ha ispirati. Abbiamo modificato leggermente il nome, trasformandolo in Ostillo, che contiene anche la parola inglese still: quiete, durata, permanenza, il senso di qualcosa che rimane. L’arte esisteva prima di noi e, se ce ne prendiamo cura, continuerà a vivere anche dopo di noi. Austin – con la sua università, la musica, la tecnologia, l’imprenditorialità e una storia complessa – è un luogo in cui un’istituzione può dialogare con il contesto, ma anche metterlo in discussione. È un punto d’incontro tra un Texas più antico e uno completamente nuovo, con una forte spinta creativa e una storia che merita di essere analizzata e compresa, non evitata. Ostillo nasce da questa possibilità.

Un ritratto di Sacha Zerbib con l’opera “Clearing VII” (2019), di Antony Gormley. ©Antony Gormley

DA EX CENTRO PER L’INFANZIA A NUOVO SPAZIO DEDICATO ALL’ARTE CONTEMPORANEA: CHE COSA VI HA ATTRATTI DI QUESTO LUOGO E COME AVETE IMMAGINATO LA SUA TRASFORMAZIONE IN OSTILLO?

L’edificio apparteneva già a René, in precedenza era stato utilizzato come centro per l’infanzia e in quel momento era libero. Si trova vicino al centro della città, immerso nel verde, nell’East Austin, una zona dalla vita culturale sempre più vivace. Abbiamo trasformato l’edificio portandolo agli standard museali, mantenendone però la scala umana. Abbiamo migliorato illuminazione, controllo ambientale, sicurezza e condizioni espositive, senza mettere l’architettura in competizione con le opere. Lo spazio è intimo, più che monumentale: abbastanza grande per mostre ambiziose, ma così raccolto da mantenere un’esperienza diretta e accogliente con il pubblico. In un certo senso, è stata l’architettura a suggerirci che tipo di istituzione dovesse essere Ostillo.

IL PROGETTO INAUGURALE, MASQUERADE, ESPLORA I TEMI DELL’IDENTITÁ, DELLA RAPPRESENTAZIONE E DEL CONFLITTO. COME AVETE SVILUPPATO LA MOSTRA E CHE COSA SPERATE POSSA TRASMETTERE?

Masquerade nasce da una domanda molto antica: che cosa scegliamo di mostrare e che cosa scegliamo di nascondere? Una maschera può nasconderci, ma anche permetterci di dire la verità. Questo paradosso, che attraversa la storia da Shakespeare a Oscar Wilde, è al centro della mostra. Masquerade è però soprattutto una mostra d’arte: queste idee prendono forma attraverso le opere di artisti di generazioni e provenienze diverse, tra cui Marlene Dumas, Glenn Ligon, Christopher Wool, Mohammed Sami, Salman Toor, María Berrío, Sylvia Snowden, Paulo Nazareth, Kader Attia e Sanya Kantarovsky. Un elemento centrale è la nuova installazione di quattro sculture di Thomas Schütte, tratte dal celebre gruppo Fratelli. Gli abbiamo lasciato completa libertà sulle finiture e il risultato ha superato ogni aspettativa: sono diventate il cuore scultoreo della mostra. Più che proporre una tesi unica, Masquerade crea un dialogo tra prospettive diverse. La mostra riflette anche sulla natura della rappresentazione, che è una forma di mascheramento. In Texas, con la sua storia complessa, segnata dalla schiavitù, dalla migrazione, dal rapporto con il Messico, dalle questioni razziali, dalla violenza, e la sua forte cultura della performance – dal rodeo alla musica, fino alla mitologia del cowboy –, queste domande acquistano una particolare intensità. La mostra non vuole suggerire ai visitatori una conclusione, ma invitarli a guardare più attentamente e mettere in discussione ciò che vedono e ciò che è stato loro raccontato. Se usciranno con domande più profonde di quelle con cui sono entrati, avrà raggiunto il suo obiettivo.

“Nervous Man”(2017), di Sanya Kantarovsky, una delle opere in mostra a “Masquerade”, il progetto inaugurale della Ostillo Art Foundation. ©Sanya Kantarovsky and Modern Art, VeneKlasen and Gisela Capitain.

QUALCHE CONSIGLIO PER UN VIAGGIO AD AUSTIN: MUSEI, RISTORANTI, HOTEL E NEGOZI DA NON PERDERE?

Oltre a Ostillo, il Blanton Museum of Art e The Contemporary Austin, in particolare Laguna Gloria, offrono due esperienze diverse. Per soggiornare, sceglierei l’Austin Proper, che esprime l’energia contemporanea di Austin. Il cibo è parte essenziale dell’esperienza: tra i miei ristoranti preferiti Birdie’s e Lonesome Dove. Spazio, però, all’improvvisazione, per scoprire una taqueria, un barbecue o un ristorante di quartiere. Consiglio Allens Boots, a South Congress, per gli stivali da cowboy, e The White Horse per ascoltare musica e ballare: Austin non va solo visitata, va vissuta attraverso la musica. Uscendo dalla città, immergetevi nel paesaggio: per capire il Texas bisogna sperimentare la sua vastità.