Investimenti d’arte

Obiettivo 200: i due secoli della fotografia

Parigi la celebra con una mostra alla Bourse de Commerce e un’edizione speciale di Paris Photo. Mentre in un anno si producono due trilioni di immagini – 60mila al secondo – il mercato del collezionismo fotografico si consolida.

di Silvia Anna Barrilà

29 ottobre 2026

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“Noire et Blanche” (1926), di Man Ray. © Man Ray 2015 Trust / Adagp, Paris, 2026 Pinault Collection.

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La fotografia compie 200 anni. Era il 1826 quando l’inventore francese Joseph Nicéphore Niépce creò il primo scatto: una veduta dalla finestra del primo piano di Le Gras, la sua casa-laboratorio a Saint-Loup-de-Varennes, in Borgogna. Numerose mostre ed eventi in Italia e nel mondo celebrano l’anniversario. Questa settimana, alla Bourse de Commerce di Parigi – uno dei musei del magnate della moda e grande collezionista d’arte François Pinault – ha aperto Remember Me, con 700 fotografie di 70 artisti, dal pioniere Gustave Le Gray a Wolfgang Tillmans, primo fotografo a vincere il prestigioso Turner Prize nel Duemila e che ha raggiunto valori a sei cifre (fino a 700mila euro all’asta).

“Endangered Gestures” (2026), di Bruce Eesly. ©Bruce Eesly.

Anche Paris Photo, che è certamente la fiera di riferimento per il mercato della fotografia, dal 12 al 15 novembre, ricorderà il bicentenario con la presentazione, sotto le volte di vetro del Grand Palais, di un’amplissima panoramica del mezzo, dalle prime tecniche delle origini a quelle digitali attuali, grazie alla partecipazione di quasi 250 espositori da 38 Paesi. «Nel corso degli ultimi cinquant’anni, il mercato della fotografia si è consolidato», afferma Florence Bourgeois, direttrice della fiera. «È un settore molto vasto, con prezzi che vanno dai mille alle centinaia di migliaia di euro, per cui risulta accessibile a tante persone diverse. Inoltre, è un mezzo capace di sedurre un pubblico esteso, perché siamo tutti legati alla fotografia nella quotidianità delle nostre vite e, quindi, rappresenta un punto d’ingresso nel mondo del collezionismo d’arte. Da non sottovalutare anche il ruolo degli editori di libri di fotografia, importantissimi per la visibilità di molti artisti; soprattutto, di quelli che non hanno una galleria. In fiera ce ne saranno circa una cinquantina, con volumi che partono dai 30 euro fino alle centinaia o migliaia di euro per quelli più rari o antichi».

“Untitled” (2025), di Nadine Ijewere, a Paris Photo. Courtesy Nadine Ijewere & Huxley-Parlour.

Oggi la fotografia è inclusa nella maggior parte delle collezioni d’arte contemporanea, sebbene il momento storico sia più favorevole alla pittura, che continua a dettare il trend. «Quando si acquista la fotografia storica, è necessario guardare alla qualità», spiega Bourgeois, «cioè allo stato di conservazione, alla storia dello scatto e alla sua provenienza. Sono opere ormai rare e difficili da reperire. Parlando di fotografia contemporanea, è importante guardare al numero di edizioni e anche a come l’opera si posiziona nella produzione dell’artista. E poi, naturalmente, ai dettagli tecnici, come la tipologia di carta o di stampa». Le stampe, infatti, possono anche ingiallire in breve tempo, oppure il supporto può deformarsi e compromettere in modo irreversibile l’opera.

“[threads tightening]”, di Dev Dhunsi. © Raymond Depardon / Magnum Photos Pinault Collection.

Mentre per la fotografia storica è importante cercare la stampa vintage, cioè quella stampata dall’autore quando era ancora in vita, per la fotografia contemporanea, a partire dagli anni Settanta e soprattutto negli anni Ottanta e Novanta, si è affermata la consuetudine di limitare il numero delle edizioni (di solito tre, cinque o sette), per creare artificialmente quel valore di scarsità tanto ricercato dal mercato. Grazie a questa strategia, si è in parte riusciti a superare i pregiudizi storici più radicati nel mondo dell’arte, secondo cui una fotografia, in quanto riproducibile, sarebbe intrinsecamente meno preziosa di un dipinto, che è invece unico. La galleria o l’artista possono stabilire un prezzo uguale per ogni edizione, oppure aumentare il prezzo delle copie mano a mano che l’edizione si esaurisce. Quando un’edizione è sold out, non vengono più prodotte altre copie di quell’immagine (alcuni, talvolta, ne stampano altre in dimensioni diverse, ma è una pratica aspramente criticata dai collezionisti). Ogni stampa è numerata; fanno eccezione le “prove d’artista”, chiamate in inglese Artist’s Proof: una o due copie che l’autore tradizionalmente teneva per sé, o per regalarle ad amici e collaboratori, o ancora per esporle in mostre senza dover utilizzare quelle destinate alla vendita.

La mostra con 700 fotografie di 70 artisti alla Bourse de Commerce, sede della Pinault Collection.© Tadao Ando Architect & Associates, Niney et Marca Architectes, Agence Pierre-Antoine Gatier. Photo Vladimir Partalo.

Nel tempo, la fotografia ha trovato la sua strada nel mondo istituzionale. Il MoMA è stato il primo museo a creare un dipartimento dedicato nel 1940, grazie al curatore Beaumont Newhall, inaugurandolo con la mostra Sixty Photographs: A Survey of Camera Esthetics, creata per dimostrare il valore artistico e le possibilità dell’arte dello scatto, e ideata insieme al fotografo Ansel Adams (oggi uno dei più quotati all’asta, con prezzi che arrivano quasi a un milione di dollari).

Tra la fine degli anni Settanta e i primi anni Ottanta sono nate altre importantissime collezioni museali in Europa: quella del Museum Folkwang di Essen nel 1978, che oggi conserva circa 65mila fotografie di 1.300 autori, e nel 1981 quella del Centre Pompidou, con più di 45mila stampe e 60mila negativi, di cui una piccola parte (circa 100 fotografie di una trentina di artisti) sarà in mostra a novembre a Paris Photo.

All’asta, invece, l’anno dei record è stato il 2011, con la vendita a maggio da Christie’s a New York di Untitled #96 (1981) di Cindy Sherman per 3,9 milioni di dollari, superato a novembre, sempre da Christie’s a New York, da Rhine II di Andreas Gursky per 4,3 milioni di dollari.

“Amazônia” (1971), di George Love, che a novembre verrà esposta a Paris Photo. Courtesy Galeria Vermelho.

La fotografia emergente, invece, ha prezzi molto più accessibili e tantissimi talenti sui quali scommettere. Tra quelli esposti a Paris Photo, nella sezione dedicata ai giovani, che include venti presentazioni monografiche, ci sarà Dev Dhunsi, trentenne norvegese di origini indiane, che lavora all’intersezione tra fotografia, arte tessile e installazione, affrontando tematiche legate all’incontro tra culture e a come la fotografia viene usata per servire le strutture di potere (presentato da Melk Galleri di Oslo, ciascuna opera è unica e vale 12mila euro). Quest’estate è stato nominato dal British Journal of Photography tra i 15 fotografi da tenere d’occhio, insieme ad altri che parlano degli effetti delle migrazioni, di dominazione e imperialismo, della guerra: temi importanti che affrontano trovando, comunque, spazi di gioia e sperimentando i limiti e le possibilità del mezzo espanso. Tra loro Ivan Samoilov, ucraino, 23 anni, che documenta la vita a Kharkiv e le conseguenze dell’attacco russo sulla vita nel suo Paese, concentrandosi anche sulla bellezza del paesaggio e sullo sforzo di sminarlo (i prezzi, direttamente presso l’artista, vanno da 350 a mille euro). Un’altra sua connazionale, Kristina Podobed, 32 anni, ha iniziato a fotografare da adolescente per indagare, invece, il proprio corpo, la femminilità, le aspettative sociali (prezzi da 200 a mille euro).

Tra gli artisti italiani, una ricerca intimista e introspettiva che sta avendo grande successo sia a livello nazionale sia internazionale è quella di Jacopo Benassi, classe 1970, che ha iniziato a lavorare negli anni Ottanta, inizialmente in ambienti legati alla musica underground. Nel tempo, il suo lavoro si è esteso fino a comprendere ritratti e autoritratti, pittura, natura e il mondo della moda, evolvendosi fino alla performance e alla scultura. I suoi soggetti, illuminati in modo crudo dalla luce del flash sullo sfondo scuro, si nascondono uno sotto l’altro, lasciando spazio all’immaginazione e al desiderio (da Francesca Minini, prezzi da 12mila a 18mila euro). Quello di Florence Di Benedetto (classe 1975), francese basata a Milano, invece, è un racconto personale costruito attraverso simboli e metafore che intrecciano il vissuto e l’identità dell’artista con temi esistenziali universali, come il rapporto tra uomo e natura, oggi privato della sua dimensione sacrale (presso l’artista, i prezzi vanno da 1.500 a 10mila euro; dal 13/10 al 15/11 ha in programma una mostra nel concept store di Plan C a Milano, organizzata da Margherita Castiglioni in collaborazione con la galleria Podbielski Contemporary).

“Untitled #21” (1978), di Cindy Sherman alla Bourse de Commerce. © Cindy Sherman / Adagp, Paris, 2026 Pinault Collection.

Com’è ovvio, gli artisti guardano sempre di più anche al digitale – il 2027 segna un altro anniversario rilevante, i vent’anni dal lancio dell’iPhone. Oggi siamo letteralmente sommersi dalle fotografie: si stima che solo l’anno scorso ne siano state prodotte due trilioni, vale a dire 60mila al secondo. Ma cosa ci attrae di queste immagini? E che cosa ci porta a condividerle? Una mostra che si è da poco conclusa presso lo spazio espositivo C/O Berlin ha cercato di comprendere come le immagini ci catturano o ci illudono mentre circolano online. Erano presenti 14 artisti, tra cui Zoé Aubry, svizzera, classe 1993, che con il suo lavoro intitolato #Ingrid ha affrontato il tema della copertura mediatica del femminicidio, invitando la collettività a un’azione di gruppo per influenzare l’algoritmo e cancellare le fotografie dei crimini pubblicate dalla stampa scandalistica messicana (prezzi su richiesta).

“Tête d’Homme”(2018), di John Edmonds, in esposizione a “Remember Me”. © John Edmonds / Adagp, Paris, 2026 Pinault Collection.

Il presente della fotografia ci dimostra anche come, nel mondo digitale, l’artista non sia più obbligatoriamente l’autore dello scatto. Nel caso dell’italiana Irene Fenara (classe 1990), per esempio, le immagini delle telecamere di sorveglianza che si trovano su internet sono usate per creare autoritratti inquietanti (alla galleria ZERO, opere fotografiche da mille a 9mila euro, opere video da 5mila a 18mila euro). Un altro modo per mostrare come la fotografia sia in continua evoluzione e, nonostante i suoi due secoli, non mostri segni di invecchiamento.