MILANoLTRE, i 40 anni del festival

Quarant’anni sono un bel traguardo per MILANoLTRE, uno dei festival di danza più longevi d’Italia. Nel clima celebrativo che contraddistingue l’edizione di quest’anno, in corso fino all’11 ottobre nella sede storica del Teatro dell’Elfo e in altri spazi come il PAC, il BASE, la Biblioteca Sormani e il museo MA*GA di Gallarate, il direttore Lorenzo Conti, subentrato lo scorso anno a Rino De Pace, tiene a precisare quanto sia importante la memoria per andare avanti: «“Ereditare il futuro” (tema del Festival) significa costruire continuamente le condizioni perché il nuovo possa emergere», afferma in sintonia con la massima dei fondatori: «Il nostro spettacolo preferito è quello ancora da scoprire».

Si muove dunque su più binari il variegato programma di questa quarantesima edizione, da un lato il focus su “Danza e sport”, ultima propaggine dell’onda di Milano-Cortina, dall’altro le ospitalità internazionali con il Ballet de Lorraine, il tedesco Moritz Ostruschnjak, il marocchino Radouan Mriziga.

Ma il nucleo più consistente del Festival è dedicato alla danza italiana, tra felici scoperte e conferme di maestri come Virgilio Sieni, che fino al 3 ottobre proporrà il suo poetico omaggio a Pasolini, Ma a che serve la luce?, mentre il 3 e 4 negli spazi del PAC riallestirà un’edizione site specific de II corpo degli altri, riflessione sul dolore e la memoria ispirata al pensiero di Susan Sontag.

Il “focolaio” della giovane creatività italiana nei giorni scorsi ha dato spazio, tra l’altro, a un’intimista creazione di Noemi Piva, Settembre non arriverà mai, con la quale la giovane coreografa e interprete elabora un diario personale di memorie dolorose e tuttavia formative, un corpo a corpo con i ricordi, i traumi e le emozioni in dialogo col paesaggio sonoro creato in scena da Lorenzo Minozzi. Tra tremori, scuotimenti, automatismi, cadute e riprese, Piva cerca di ricomporre i cocci di una vita, rappresentati dalla fragilità di un servizio da tè che assembla in maniera scomposta con l’ausilio di una plastilina colorata. Se le parole che pronuncia copiosamente, pur consapevole che «il vocabolario è insufficiente per dire la verità», restano sospese come quelle dell’infanzia, rimane il corpo, e quindi la danza, a farsi carico dell’elaborazione delle ferite. Un corpo eloquente e vivo, come il battito del cuore amplificato dal microfono fino a quando si fa buio.

I giovani coreografi, molto spesso interpreti delle loro stesse creazioni, restano spesso ancorati all’autobiografismo, che nel migliore dei casi diventa paradigma della confusione epocale. A volte si lanciano in metafore sulla deriva tecnocratica della società, tentando di comprendere come questa influenzi il vissuto quotidiano. Sembra muoversi in questa direzione l’interessante lavoro di Francesca Santamaria, Good Vibes Only (the great effort), nel quale esplora l’incontrollabile sovraccarico di informazioni, stimoli e immagini che ci viene propinato ogni giorno dai dispositivi digitali. La sua performance è un vertiginoso susseguirsi tragicomico di micro-coreografie derivate dai modelli televisivi e dalle becere clip di TikTok e altri social network, intervallate da citazioni del balletto classico, della Nelken Line di Pina Bausch e del Bolero di Ravel/Bejart.