La Biennale di Bonifacio come l’opera «Nimu Dormi»

Nella Cisterna prende avvio il Primo Atto, dedicato al Dasein, «essere qui», la consapevolezza dell’individuo di essere parte di un insieme social. Tony Regazzoni, rappresentato dalla Galerie Eric Mouchet, presenta «Bande Organisée» (2024), sul rito iniziatico adolescenziale e la moto quale strumento di libertà. L’artista ha attraversato il Nord Italia visitando circa 30 discoteche, molte delle quali oggi abbandonate, documentando la stagione degli enormi nightclub degli anni 70: si può salire sulle moto dell’installazione e indossare il casco per ascoltare il resoconto personale di chi frequentava quei mega-club.

«Bande Organisée», Installazione, 2024, Tony Regazzoni

Da Palazzu si entra nell’Atto II – Rabbia. Quattro video-performance delle Pussy Riot raccontano la tensione dell’insurrezione, a partire da «Punk Prayer» (2012), azione che portò all’arresto di alcune componenti del gruppo in chiesa mentre cantavano: «Per favore Vergine Maria, caccia via Vladimir Putin».

« Putins Ashes» di Pussy Riot, fotogrammi generali

Dal punto panoramico della Cittadella, Il ritmo del tempo assume come chiave «L’ombra di Dioniso» di Michel Maffesoli: dal tempo lineare della produttività a «una società in cui si sente davvero il tempo, invece di consumarlo» come sottolinea la curatice Prisca Meslier. Il percorso recupera «Corsica Humana à Ribella», musica elettronica in lingua corsa realizzata nel 1983 da Ghjuvan Petru Graziani e Rinatu Coti, riscoperta nel 2019.

Alla Caserne Montlaur si conclude il percorso con il Finale – Le Triomphe. Questa fase concepisce la celebrazione sia come palcoscenico e arena, sia come «pratica che permette di sfuggire alle regole consolidate e di aprire nuove vie». Philippe Caamano, artista corso diplomato all’Accademia di Belle Arti di Nantes e già stagista della Biennale durante la sua prima edizione, propone «Lonely» (2024): due porte recuperate da un edificio occupato, luogo di feste e rave, scorrono su una struttura metallica. Le porte sembrano corteggiarsi e cercare di incontrarsi, senza riuscirci. L’opera mette il visitatore davanti a una soglia e a una scelta: attraversare o aggirare l’ostacolo, entrare nell’arena oppure restare al sicuro. Una riflessione sulla ligne de fuite di Deleuze, la possibilità di escogitare un’alternativa al percorso delineato, sottraendosi all’ordine costituito.

Mode 2, rappresentato da Urban Spree, presenta «Watergate, Weekend oder Kaffee Burger» (2023), acrilico e pastello su tela, insieme a un intervento murale realizzato in situ. Ispirato dai club berlinesi, dalla danza come questione di consenso e individualità, dai racconti della fotografa Martha Cooper sulla cultura del graffiti e dell’hip-hop, l’artista costruisce immagini in cui è difficile distinguere il duello e la danza: i corpi si aggrovigliano, in un equilibrio sottile tra sensualità-sfida e violenza, carezza e pugno. Puma Camillê presenta «Rhythm of Resistance», tra voguing e capoeira. Quest’ultima, nata in Brasile all’interno delle comunità degli schiavi, era uno strumento mascherato per apprendere movimenti di combattimento. Il voguing, sviluppato negli anni Ottanta ad Harlem dalle comunità LGBTQ+, sorge invece come spazio di libertà per soggettività marginalizzate. Il video «Manikongo», in particolare, approfondisce le radici culturali e rituali di questa pratica.

«Ritmo di resistenza», 2025 di Puma Camillê

La tensione tra celebrazione e violenza ritorna in «Mixed Behaviour» (2003) di Anri Sala, rappresentato da Marian Goodman Gallery, Hauser & Wirth, Alfonso Artiaco e kurimanzutto: i fuochi d’artificio diventano il suono dei missili per le popolazioni traumatizzate dalla guerra che ha cambiato per sempre la loro quotidianità. Nkisi (Melika Ngombe Kolongo), musicista elettronica e artista belga-congolese basata a Londra, con la sua installazione sui tamburi, si concentra invece sui suoni vietati. Non rappresentata da una galleria fissa, ha tuttavia esposto alla Tate Modern e alla South London Gallery (Londra), al Palais de Tokyo (Parigi), alla LAS Art Foundation (Berlino). La musica persiste quindi anche quando si tenta di metterla a tacere. Un suono ha una potenza mnemonica insospettata, allo stesso modo di un odore.

«Senza titolo», di David Noonan, serigrafia su collage di lino, cornice a vassoio in quercia, 2011

Il tema della memoria attraversa David Noonan, le cui opere hanno quotazioni intorno ai 30 mila euro: in «Mnemosyne» (2021) la natura evanescente dei ricordi è al centro; in «The King II» (2024) il «re» evoca il personaggio folle della festa. L’artista è rappresentato da Modern Art (Londra), e dalle australiane Roslyn Oxley9 Gallery (Sydney) e Anna Schwartz Gallery (Melbourne).
Si incontra in questa sezione l’unica opera prodotta per la Biennale: «Flicker (Until the Collapse)» di Caamano, con 35 blocchi luminosi dell’edificio militare trasformati in una ghirlanda caleidoscopica e segnali in codice Morse. Tra le opere del Finale c’è «VB 48» (2001) di Vanessa Beecroft, video di una performance durata sette ore, con donne nere seminude. La performance riflette sulla presenza del corpo come strumento di potere, in un momento in cui a decidere le sorti di milioni di persone erano uomini bianchi, riuniti per il G8. Le performance possono raggiungere 100.000 euro di budget; fotografie e video sono venduti tra 20.000 e 100.000 euro.

«VB52», di Vanessa Beecroft, registrazione video di una performance al Castello di Rivoli, 2003, Galleria Lia Rumma, Milano / Napoli.

L’ultima opera è «Fiorucci Made Me Hardcore» (1999) di Mark Leckey, rappresentato dalla Galerie Buchholz: video e suono esplorano la vita notturna e la controcultura, dalla disco all’acid house e alla Northern Soul. La festa, non viene raccontata come un momento di evasione affrancato dalle vicende storiche e attuali, diventa altresì cassa di risonanza e archivio vivente in cui memoria individuale e collettiva si fondono, spezzando la linearità del tempo.