“Kaihō”, la storia dell’arte vista dall’altra parte del globo

La storia dell’arte ha un problema con le mappe. Disegna centri, periferie, traiettorie principali e “Kaihō: Japanese Women Artists after 1945”, al Mudam di Lussemburgo fino al 14 febbraio 2027, prova a fare esattamente il contrario: prende trentanove artiste giapponesi e oltre 120 opere e sposta il punto di osservazione sul dopoguerra, mostrando quanto il racconto dei modernismi sia stato più mobile, internazionale e femminile di quanto il canone abbia lasciato intendere.

Il titolo, “Kaihō”, significa liberazione, svincolarsi. Ma non è soltanto la liberazione delle artiste dalle strutture patriarcali. È anche quella dello sguardo dalle categorie con cui per decenni abbiamo ordinato l’arte del secondo Novecento. La mostra, curata da Florence Ostende con Yurika Imaseki e Anaël Daoud, procede attraverso cinque capitoli tematici e attraversa pittura, scultura, fotografia, film, installazione e performance. Molte delle opere sono state esposte raramente, se non mai, fuori dal Giappone.

Taeko Tomiyama, The Night of the Festival of Galungan, 1986, oil on canvas, 162 × 130 cm (63.8 ×

Il dato più interessante è che Kaihō non costruisce una genealogia alternativa semplicemente sostituendo uomini con donne. Ricostruisce piuttosto una rete. Il Giappone del dopoguerra dialoga con Stati Uniti, Europa, Asia e Brasile; le artiste entrano nei territori di Gutai e Fluxus, partecipano alla nascita delle pratiche performative e multimediali, lavorano sul rapporto fra corpo e spazio, fra memoria e identità. Atsuko Tanaka, Yayoi Kusama, Yoko Ono, Fujiko Nakaya e Tomie Ohtake sono i nomi più conosciuti, ma accanto a loro la mostra porta in primo piano figure meno presenti nel racconto internazionale, da Taeko Tomiyama a Yoshiko Shimada.

Yoshiko Shimada + BuBu de la Madeleine, Portrait, 1998, collage, 24.8 × 32.9 cm (9.8 × 12.6 in.)

È proprio questa pluralità a rendere la mostra più interessante di una semplice operazione di recupero. La guerra ritorna come memoria personale e collettiva; l’imperialismo, la disuguaglianza di genere e la trasformazione dell’ambiente diventano questioni artistiche. Un percorso dedicato alla guerra, per esempio, mette in relazione esperienze diverse: lo sfollamento, i campi di internamento negli Stati Uniti, la violenza imperialista in Corea, la resistenza indigena a Okinawa. Gli Hiroshima Panels di Toshi e Iri Maruki riportano dentro questa costellazione anche la memoria della bomba atomica.

Saori Akutagawa, Woman A, The Hawk and Princess Kasuga, 1955, dyed linen, 130 × 89 cm (51.2 ×35 in.), Gallery Sekiryu, Matsumoto/ Tokyo, Japan

Poi c’è il corpo. Ferito, desiderato, vestito, travestito, trasformato in superficie o in macchina. È un altro filo che attraversa la mostra e che permette di leggere la liberazione non come una parola astratta, ma come una pratica. In questo senso “Kaihō “è anche una storia di gesti: rompere la superficie della pittura, occupare lo spazio, mettere in scena se stessi, utilizzare il video, il suono, gli oggetti. Il passaggio dall’opera all’azione diventa uno dei modi attraverso cui queste artiste mettono in crisi le definizioni ereditate.