Dan Flavin, quando la luce non ha bisogno di rappresentare altro

La chiave per entrare nel mondo di Dan Flavin (1933-1996) è una lampada accesa. Nel 1963 l’artista americano fece una scelta destinata a cambiare radicalmente il suo lavoro, abbandonando la pittura tradizionale, il quadro e la superficie dipinta, per affidarsi a un oggetto di produzione industriale: il tubo fluorescente. Un materiale ordinario, acquistabile in qualsiasi negozio di illuminazione, diventò così il principio di una ricerca tra le più originali del secondo Novecento.

La luce, da elemento funzionale della vita quotidiana, si trasformò grazie a lui in materia plastica, colore, misura e soprattutto esperienza dello spazio. È da questa intuizione che prende le mosse Dan Flavin: Un po’ di luce, la nuova mostra che il Guggenheim di Bilbao ospita fino al 4 aprile 2027, con la curatela di Lauren Hinkson, curatrice delle collezioni del Solomon R. Guggenheim Museum di New York. Sono oltre venti le opere esposte, provenienti in larga parte dalla Panza Collection del museo newyorkese e integrate da importanti prestiti della Dia Art Foundation, ricostruendo un percorso che attraversa tre decenni, dagli esperimenti iniziali alle grandi installazioni ambientali. La prima intuizione dell’artista è stato qualcosa di disarmante nella sua semplicità. Flavin prese un tubo fluorescente commerciale, conservadone intatte la forma e le dimensioni e ne lo fissò alla parete, lasciando che fosse la luce a fare il resto. La sua prima opera interamente realizzata con questo materiale, the diagonal of personal ecstasy (the diagonal of May 25, 1963), è una diagonale luminosa gialla inclinata a quarantacinque gradi. Non occorrono pennelli, pigmenti o una composizione elaborata, ma bastano un apparecchio per ammirarla al meglio, una parete e l’emissione luminosa che investe l’ambiente. Nella prima sala di Bilbao troverete opere come the nominal three (to William of Ockham), sempre del 1963, tre lampade verticali a luce naturale, disposte in una progressione di uno, due e tre elementi con tanto di dedica al filosofo medievale Guglielmo di Ockham. “La realtà, nella sua concezione, si trova nelle cose concrete, non nelle astrazioni universali”, sosteneva lo studioso e Flavin sembra tradurre questa convinzione in una dichiarazione estetica: la luce è lì, visibile nella sua sorgente e nei suoi effetti, senza bisogno di rappresentare altro. Anche le prime opere a luce bianca, fredda o calda, hanno già una qualità sorprendentemente architettonica.

Agli occhi dello spettatore gli angoli si confondono, le pareti sembrano perdere consistenza e le distanze cambiano, ma il bianco è soltanto l’inizio, perché Flavin lavora entro un sistema rigoroso di possibilità con dieci colori, quattro lunghezze standard e delle apparecchiature mai modificate nella loro struttura originaria. Una scelta volutamente limitata dalla quale nasce una varietà quasi inesauribile di combinazioni. È qui che il Minimalismo incontra qualcosa di più sensuale e percettivo ed è qui che la riduzione degli elementi produce un’espansione dell’esperienza. La luce non si lascia confinare sulla superficie, ma attraversa l’aria, colora i corpi e modifica la percezione delle dimensioni. A metà degli anni ‘60 arrivano gli angoli, i monumenti, le barriere e i corridoi. Flavin cominciò a comporre con l’architettura, facendo della stanza un elemento integrante dell’opera. greens crossing greens (to Piet Mondrian who lacked green) del 1966 - sempre da scrivere con la lettera iniziale minuscola, come voleva lui - è la prima barriera dell’artista che dispone tubi verdi secondo una struttura di montanti e traversi che interrompe fisicamente il passaggio. Due anni dopo, in an artificial barrier of blue, red and blue fluorescent light (to Flavin Starbuck Judd), il rosso e il blu si sovrappongono, generando sulle superfici una tonalità viola. Lo spettatore entra così dentro una composizione cromatica che modifica continuamente il proprio aspetto a seconda della posizione da cui viene osservata. Merita una considerazione particolare, poi, “monument” on the survival of Mrs. Reppin, opera del 1966 che porta con sé una vicenda umana singolare. Mrs. Reppin era la suocera del gallerista tedesco Rudolf Zwirner, conosciuta da Flavin durante un soggiorno in Germania. Cittadina britannica, durante la Seconda guerra mondiale era stata internata dagli Alleati per aver rifiutato di divorziare dal marito, un soldato tedesco. Flavin le dedica una composizione di luce fluorescente bianca e rossa, nella quale la dimensione commemorativa assume un carattere insieme intimo e inquieto. È un esempio significativo di come le sue dediche, spesso rivolte ad artisti, amici e persone incontrate lungo il proprio percorso, introducano nella severità del dispositivo minimale una componente biografica e affettiva. Negli anni ‘70 la ricerca si allarga ulteriormente: i corridoi luminosi diventano ambienti autonomi, nei quali il colore può essere nascosto, rivelato, percepito da un lato e sottratto alla vista dall’altro. Negli anni ‘80, invece, nuove lampade e nuove combinazioni ampliano ancora il repertorio, come dimostrano le composizioni dedicate a Margo e a Leo Castelli. Il merito di questa mostra è dunque quello di restituire la coerenza di un’avventura artistica che ha preso le mosse da un gesto elementare e ha saputo trasformarlo in un linguaggio.

Dan Flavin: Un po’ di luce, Guggenheim di Bilbao, fino al 4 aprile 2027